Les peintures de Petrov-Vodkin sont absolument mémorables. Leur force intérieure et leur dynamique captivent le public et lui font percevoir le monde qui l'entoure d'une manière nouvelle. L'artiste a travaillé à l'époque de la rupture des époques, donc la recherche constante de formes et d'innovation se fait ressentir dans chacune de ses œuvres.
Les tableaux les plus célèbres de Petrov-Vodkin:
1
Garçon africain (1907)
Le portrait d'un garçon africain est l'un des nombreux portraits d'enfants. Il est écrit dans le style du modernisme. Un enfant à la peau foncée d'un village pauvre en chemise déchirée est représenté sur le fond d'un bâtiment décoré de carreaux de style national.
L’immédiateté et la curiosité de l’expression sur le visage de l’enfant se combinent simultanément avec la peur intérieure et la proximité avec une personne blanche inconnue - la main droite de l’enfant couvre sa poitrine et recouvre étroitement sa main gauche.
2
Baigner le cheval rouge (1912)
La peinture de KS Petrov-Vodkin «Bathing the Red Horse» à l'exposition d'art de 1912 a fait sensation. C'était une idée innovante - combiner le passé et l'avenir dans le développement de la peinture. Ici, les méthodes de la peinture d'icônes, du monumentalisme, du style Art nouveau et de l'art décoratif ont été combinées. Le cheval rouge est un héros fréquent des icônes et des épopées russes.
Dans la peinture de Petrov-Vodkin, le cheval rouge est la figure centrale et significative de l'image. Il est représenté sur un fond d'eau émeraude. Le corps d'un garçon nu assis à califourchon a été déchargé avec une précision anatomique, et son visage semble quelque peu schématique et détaché. Cette œuvre monumentale est entrée dans le monde des gens comme un symbole des changements révolutionnaires à venir dans le sort de la Russie.
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3
Portrait d'un garçon (1913)
Perov-Vodkin a consacré une grande partie de son travail aux portraits. L'image des enfants a permis à l'artiste de conquérir de nouveaux horizons.
Le portrait d'un garçon est l'un des célèbres portraits d'enfants du pinceau de l'artiste. Il met l'accent sur la période de transition, la formation de la personnalité de l'enfant. Son visage est toujours d'une douceur enfantine et rond, mais dans le regard, vous pouvez déjà ressentir la détermination et l'éveil de la masculinité du héros. Le fond vert permet de souligner le velouté de la peau foncée du garçon, sa jeunesse et sa fraîcheur.
4
Sur la ligne de feu (1916)
La toile "On the Line of Fire" est écrite à l'apogée du patriotisme, au plus fort de la Première Guerre mondiale. Il reflète le sacrifice de l'armée russe. La mort de l'enseigne, conduisant un soldat sur le champ de bataille, ressemble étonnamment à l'image d'un martyr de la peinture d'icônes. Petrov-Vodkin a déclaré à l'époque: "Que Dieu sauve la Russie".
La peinture est basée sur trois couleurs primaires - jaune, rouge et bleu. La composition est construite sur le principe d'un cercle, comme un panorama, lorsque vous pouvez voir l'image de tous les côtés.
5
Hareng (1918)
La dévastation, le manque de nourriture extrêmement rare et la gravité de la vie se reflètent dans la nature morte «Hareng», écrite par Petrov-Vodkin en 1918. Pomme de terre, pain noir, hareng rouillé - c'est tout ce que l'on pouvait trouver à Petrograd, englouti par la révolution. Le laconicisme et la simplicité, la clarté et la polyvalence des formes d'objets font de cette nature morte un culte et un monument. C'est une sorte d'hymne de l'époque.
L'artiste appelle ces produits simples des bijoux. Le hareng scintille avec des reflets dorés sur le fond d'un joli morceau de papier bleu, des pommes de terre et un petit tas de pain semblent être des pierres précieuses sur une nappe rose. Du bord de la table, vous pouvez voir le visage de l'enfant de l'artiste, attendant le début d'un misérable dîner.
6
Petrov-Vodkin, Autoportrait (1918)
Autoportrait de l'artiste, écrit de façon très sculpturale. Les formes de visage hachées créent une image masculine solide qui perçoit sobrement et sérieusement la réalité environnante. Petrov-Vodkin a peint un excellent autoportrait psychologique. Devant le spectateur, il y a l'image d'un penseur, d'une personne intelligente et aguerrie.
7
Matin nature morte (1918)
Le tableau «Morning Still Life» est une œuvre pleine de joie et d'optimisme matinal. Il semble que l'arôme du thé éclate. La vue de la nature morte est inhabituelle. Comme s'il s'éloignait de l'oreiller, l'artiste regarde autour de la table posée négligemment pour le petit déjeuner. Un verre à facettes avec du thé, une cuillère en argent, un modeste bouquet de fleurs sauvages, une théière à facettes, des œufs durs - créent une convivialité inhabituelle et provoquent un appétit sain, qui ne se produit que le matin.
Les merveilleuses choses qui entourent l'artiste ont été écrites par des experts afin de montrer que le monde quotidien peut être beau et pittoresque.
Le soleil du matin illumine la table et une lumière rose constante se propage à travers la pièce. Les objets se tiennent à l'écart sur la table, ne se chevauchant pas, mais cette technique n'ajoute à la nature morte que l'harmonie et l'équilibre. Le spectateur a la possibilité d'examiner attentivement chaque élément sur la table.
Un tel isolement, au contraire, unit des objets de nature morte. Dans les facettes miroir de la théière, des œufs de nacre se reflètent, ainsi qu'un chat rouge. Sur les côtés des oeufs des reflets orangés d'un verre de thé brûlent. À travers les bords du verre, vous pouvez voir comment une cuillère en argent est réfractée trois fois, soulignant l'espace tridimensionnel. Les allumettes laissées sur la table et un chien qui jette un coup d'œil depuis la table rappellent la présence proche d'une personne.
8
Nature morte au prisme (1920)
Un immense espace est enfermé dans un petit cadre d'une nature morte. Dans le miroir posé sur la table, des formes géométriques se reflètent - un prisme en verre arrondi et une boîte d'allumettes. Les fenêtres à battants en lignes droites sans fin sont immergées dans l'espace miroir. Sur les côtés du cadre en bois du miroir se trouve une pomme verte et une cuillère en argent.
La fiction du représenté est accentuée par le plan de la table, qui est recouvert d'une nappe bleue froissée, dont les plis ressemblent à une surface d'eau orageuse.
9
1918 à Petrograd (1920)
Un autre nom pour cette peinture est "Madonna Petrograd". C'est l'une des peintures les plus célèbres et les plus importantes de Petrov-Vodkin.
Au centre de l'image, sur fond de ville révolutionnaire animée, une jeune femme est représentée avec un bébé dans les bras. Sa posture, son expression faciale alarmante, son tour de tête, son châle blanc comme neige, sa robe verte et sa cape rouge ressemblent à la Vierge. Les deux figures de la mère et de l'enfant sont très symboliques.
De nombreux critiques considèrent cette image comme un symbole de la Russie révolutionnaire, un symbole d'un changement radical des événements historiques. Dans un contexte de dévastation et de chaos complet, l'image d'une femme avec un bébé apparaît comme un espoir pour l'avenir, comme une continuation de la vie.
10
Nature morte avec un samovar (1920)
Nature morte avec un samovar écrit de manière reconnaissable et exclusive par l'artiste. La couleur de l'image est basée sur des nuances de bleu. La surface lisse du miroir du samovar reflète l'espace environnant et élargit les limites de l'image. La palette sur la table parle de l'occupation actuelle de l'artiste, et un croquis représentant une image féminine suggère ce sur quoi le maître travaille actuellement.
11
Portrait d'Anna Akhmatova (1922)
Strict, sans pathos inutiles, le portrait d'Anna Akhmatova par Petrov-Vodkin est l'un de ses meilleurs portraits. Des yeux bleus perçants, même des franges, une robe noire stricte - voici Anna Akhmatova, que nous connaissons et honorons comme la poète la plus remarquable du début du XXe siècle. Son talent, son destin tragique et son courage sont connus de tous.
Le fond du portrait est une muse stricte, baissant la tête. Seules les personnes les plus talentueuses peuvent l'entendre chuchoter, une poétesse russe exceptionnelle en fait partie.
12
Décès du commissaire (1928)
À l'époque soviétique, Petrov-Vodkin a créé une toile d'une grande importance, qui a révélé à la fois l'époque et le thème du sacrifice pour un avenir radieux. Le tableau "La mort du commissaire" a été peint après la fin de la guerre civile, plein d'effusions de sang fraternelles et de cruauté.
L'intrigue de l'image était l'histoire tragique de la mort du commissaire sur le champ de bataille pendant la guerre civile. Au premier plan, en haut de la colline, un homme de l'Armée rouge soutient un commissaire mourant. Derrière eux, l'Armée rouge continue d'avancer. Pour montrer l'étendue de ce qui se passe, l'artiste a habilement utilisé une perspective sphérique.
La couleur de l'image est basée sur une combinaison d'ocre, de bleu et de vert. Espace parfaitement transmis. Du haut de la colline, vous pouvez voir le relief complexe de la région, le ruban bleu de la rivière et une petite ville.
13
Pomme et citron (1930)
La simple nature morte "Apple and Lemon" est construite sur le même principe que le reste des natures mortes de Petrov-Vodkin. L'image est basée sur le contraste des couleurs. La perspective «vue de dessus et de côté» n'a pas été choisie pour rien: une grosse pomme jaune et citron coupé sur une soucoupe parait très avantageuse sur fond d'un motif graphique d'une nappe rose-lilas.
14
Cerisier des oiseaux dans un verre (1932)
Le spectateur reconnaît immédiatement par une composition et des couleurs fantastiques, dont le pinceau appartient à la nature morte «Cheryukha dans un verre». Petrov-Vodkin a utilisé un angle innovant extraordinaire dans une nature morte, ce qui rend encore ses peintures inoubliables.
La couverture de table ultramarine foncée, la couverture de magazine rouge, sur laquelle se dresse un simple verre avec une branche de cerisier des oiseaux, un encrier, des lettres, une soucoupe avec une cuillère en argent créent un incroyable espace tridimensionnel. Un mince verre d'eau et au bord d'un encrier en verre épais attrapent et réfractent les rayons du soleil d'un jour de printemps. Une boîte d'allumettes, des lettres non lues et l'absence d'un verre à thé indiquent la présence de l'auteur. Il boit du thé, fume et s'apprête à lire la correspondance.
15
1919 année. Anxiété (1934)
L'énorme tragédie de l'anxiété de Petrov-Vodkin a été écrite au cours de l'année pacifique de 1934, en souvenir des événements tragiques de 1919. Les temps difficiles se reflètent dans la condition des gens. Le chef de famille regarde fixement dans la rue de nuit devant la fenêtre. Un enfant sans défense dort tranquillement dans son lit. La femme au centre de l'image regarde l'enfant avec alarme. Quelque chose de terrible et d'inconnu arrive.
16
Fille avec une poupée (1937)
L'artiste a peint le portrait de la filleule de l'artiste Tanya Piletskaya peu de temps avant sa mort. Ce portrait est très délicat et délicat. La fille est montrée avec sa poupée préférée, que ses parents lui ont donnée pour son anniversaire. Le fond du portrait est les murs en bois brun chaud de la véranda. Une robe en dentelle blanche met en valeur le beau visage de l'enfant.
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Épilogue
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin n'était pas seulement un brillant artiste russe et soviétique. Il était un enseignant exceptionnel et se tenait aux origines de la création de l'éducation artistique en URSS.
Les éditeurs de most-beauty.ru considèrent qu'il est impossible de choisir la plus belle des nombreuses œuvres du peintre russe. Par conséquent, nous publierons ci-dessous quelques plus belles peintures de Petrov-Vodkin.
Filles sur la Volga (1915)
Notre-Dame de la tendresse des mauvais cœurs (1915)
Après la bataille (1923)
Dans Shuvalov (1926)
Lenushka au lit (1926)
Derrière le Samovar (1926)
Fille au bureau (1934)
Portrait de V.I.Lénine (1934)
Sur ce point, notre article a pris fin. Nous attendons vos commentaires! Écrivez quelles autres peintures de Petrov-Vodkin ont trouvé une réponse dans votre âme.